Pin
Send
Share
Send


Historia zachodniego dramatu

Historia teatru zachodniego Grecki • Rzymski • Średniowieczny • Commedia dell'arte • Angielski wczesno nowoczesny • Hiszpański złoty wiek • Neoklasyczny • Przywrócenie • Augustan • Weimar • Romantyzm • Melodramat •
Naturalizm • Realizm • Modernizm • Postmodernistyczny
XIX wiek • XX wiek

Klasyczny dramat ateński

Klasyczny dramat ateński Tragedia • Komedia • Satyr
Ajschylos • Sofokles • Eurypides • Arystofanes • Menander

Dramat zachodni wywodzi się z klasycznej Grecji. Kultura teatralna miasta-państwa Aten wyprodukowała trzy gatunki dramatu: tragedię, komedię i sztukę satyr. Ich pochodzenie pozostaje niejasne, choć do V wieku p.n.e. zostali zinstytucjonalizowani w konkursach organizowanych w ramach obchodów boga Dionizosa.1 Historycy znają nazwiska wielu starożytnych greckich dramaturgów, w szczególności Thespisa, któremu przypisuje się innowację aktora („hipokryci„), który mówi (zamiast śpiewać) i wciela się w postać (zamiast mówić we własnej osobie), podczas interakcji z refrenem i jego liderem („koryfeusz”), które były tradycyjną częścią wykonywania poezji nie dramatycznej (dityrambic, lirycznej i epickiej).2 Zachowała się jednak tylko niewielka część twórczości pięciu dramaturgów: mamy niewielką liczbę kompletnych tekstów tragedii Ajschylosa, Sofoklesa i Eurypidesa oraz pisarzy komiksowych Arystofanesa, a od końca czwartego wieku Menandra .3 Historyczna tragedia Ajschylosa Persowie jest najstarszym dramatem, który przetrwał, choć zdobywając pierwszą nagrodę w konkursie City Dionysia w 472 r.p.n.e., pisał sztuki od ponad 25 lat.4 Konkurencja ("agon„) tragedie mogły się rozpocząć już w 534 r.p.n.e.; oficjalne zapisy („didaskaliai”) rozpoczynają się w 501 r.p.n.e., kiedy to wprowadzono grę satyrową.5 Tragiczni dramaturgowie musieli przedstawić tetralogię sztuk (chociaż poszczególne prace niekoniecznie były połączone historią lub tematem), które zwykle składały się z trzech tragedii i jednej sztuki satyrskiej (choć były wyjątki, jak w przypadku Eurypidesa) Alcestis w 438 r.p.n.e.). Komedia została oficjalnie wyróżniona nagrodą w konkursie z 487-486 p.n.e. Pięciu dramaturgów komiksowych rywalizowało w City Dionysia (choć podczas wojny peloponeskiej mogło to zostać zredukowane do trzech), każdy oferował jedną komedię.6 Starożytna grecka komedia jest tradycyjnie podzielona na „starą komedię” (V wiek p.n.e.), „komedię środkową” (IV wiek p.n.e.) i „nową komedię” (koniec IV wieku p.n.e.).7

Lokatorzy klasycyzmu

Ekspresja klasycyzm w odniesieniu do dramatu oznacza pojęcia porządku, jasności, celu moralnego i dobrego smaku. Wiele z tych pojęć jest bezpośrednio inspirowanych dziełami Arystotelesa i Horacego oraz klasycznymi arcydziełami greckimi i rzymskimi.

Według lokatorów klasycyzmu sztuka powinna podążać za Trzy Jedności:

  • Jedność miejsca : ustawienie nie powinno się zmienić. W praktyce prowadzi to do częstego „Zamku, wnętrza”. Bitwy odbywają się poza sceną.
  • Jedność czasu: idealnie cała gra powinna odbyć się w ciągu 24 godzin.
  • Jedność działania: powinna istnieć jedna centralna historia, z którą powinny być powiązane wszystkie wątki wtórne.

Choć oparte na klasycznych przykładach, jedność miejsca i czasu była postrzegana jako niezbędna do pełnego pochłonięcia przez widza dramatycznej akcji; szalenie rozproszone otoczenie lub przerwa w czasie zostały uznane za szkodliwe dla stworzenia iluzji teatralnej. Czasami pogrupowane w jedność działania jest przekonanie, że żadna postać nie powinna pojawić się niespodziewanie późno w dramacie.

Dramat rzymski

Teatr rzymski i bizantyński Architektura • Plaut • Terence • Seneca

Po ekspansji Republiki Rzymskiej (509-27 p.n.e.) na kilka terytoriów greckich w latach 270-240 p.n.e. Rzym napotkał dramat grecki.8 Od późniejszych lat republiki i za pośrednictwem Cesarstwa Rzymskiego (27 p.n.e.-476 r. N.e.) teatr rozprzestrzenił się na zachód w całej Europie, wokół Morza Śródziemnego i dotarł do Anglii; Teatr rzymski był bardziej zróżnicowany, rozległy i wyrafinowany niż jakakolwiek kultura przed nim.9 Podczas gdy dramat grecki był kontynuowany przez cały okres rzymski, w roku 240 p.n.e. oznacza początek regularnego dramatu rzymskiego.10 Jednak od początku imperium zainteresowanie pełnometrażowym dramatem spadło na korzyść szerszej gamy rozrywek teatralnych.11 Pierwszymi ważnymi dziełami literatury rzymskiej były tragedie i komedie, które napisał Livius Andronicus z 240 r.p.n.e.12 Pięć lat później Gnaeus Naevius zaczął także pisać dramat.12 Żadne sztuki żadnego z pisarzy nie przetrwały. Podczas gdy obaj dramaturgowie komponowali w obu gatunkach, Andronicus był najbardziej ceniony za tragedie, a Naevius za komedie; ich następcy zwykle specjalizowali się w jednym lub drugim, co doprowadziło do rozdzielenia późniejszego rozwoju każdego rodzaju dramatu.12 Na początku drugiego wieku p.n.e. dramat był mocno zakorzeniony w Rzymie i cecha pisarzy (collegium poetarum) został utworzony.13 Wszystkie rzymskie komedie, które przetrwały fabula palliata (komedie oparte na tematach greckich) i pochodzą od dwóch dramaturgów: Titus Maccius Plautus (Plautus) i Publius Terentius Afer (Terence).14 Przy ponownej obróbce greckich oryginałów rzymscy dramaturgowie komiksowi zlikwidowali rolę chóru w dzieleniu dramatu na epizody i wprowadzili muzyczny akompaniament do jego dialogu (między jedną trzecią dialogu w komediach Plauta a dwie trzecie w tych Terence).15 Akcja wszystkich scen osadzona jest w zewnętrznej części ulicy, a jej komplikacje często wynikają z podsłuchu.15 Plautus, bardziej popularny z nich, napisał w latach 205-184 p.n.e. przetrwało 20 jego komedii, z których najbardziej znane są jego farsy; był podziwiany za dowcip swojego dialogu i użycie różnych poetyckich mierników.16 Wszystkie sześć komedii napisanych przez Terence'a w latach 166-160 p.n.e. przeżyli; złożoność jego fabuł, w których często łączył kilka greckich oryginałów, była czasem potępiana, ale jego podwójne fabuły umożliwiały wyrafinowane przedstawienie kontrastujących ludzkich zachowań.16 Żadna wczesna rzymska tragedia nie przetrwała, choć w tamtych czasach była wysoko ceniona; historycy znają trzy wczesne tragedie - Quintus Ennius, Marek Pacuvius i Lucjusz Accius.15 Od czasów imperium przetrwała twórczość dwóch tragedian - jeden jest nieznanym autorem, a drugi stoickim filozofem Seneką.17 Przetrwało dziewięć tragedii Seneki fabula crepidata (tragedie zaczerpnięte z greckich oryginałów); jego Phaedra, na przykład został oparty na Eurypidesie Hipolit.18 Historycy nie wiedzą, kto napisał jedyny zachowany przykład fabula praetexta (tragedie oparte na tematach rzymskich), Oktawia, ale w dawnych czasach było to błędnie przypisywane Senece ze względu na jego pojawienie się jako bohatera w tragedii.17

Dramat średniowieczny i renesansowy

Średniowieczny teatr Dramat liturgiczny • Tajemnica • Moralność

Główny artykuł: Moralność
Główny artykuł: Tajemnicza gra

W średniowieczu dramat w językach narodowych w Europie mógł wyłonić się z religijnych aktów liturgii. Zagadkowe zabawy były prezentowane na werandzie katedr lub spacerując z graczami w święta.

Renesansowy teatr wywodzący się z kilku średniowiecznych tradycji teatralnych, takich jak tajemnicze sztuki, które stanowiły część festiwali religijnych w Anglii i innych częściach Europy w średniowieczu. Tajemnicze sztuki były złożonymi powtórkami legend opartych na motywach biblijnych, pierwotnie wykonywanymi w kościołach, ale później bardziej związanymi ze świeckimi uroczystościami, które dorastały wokół festiwali religijnych. Inne źródła obejmują sztuki moralne, które wyewoluowały z tajemnic, oraz „dramat uniwersytecki”, który próbował odtworzyć grecką tragedię. Włoska tradycja Commedia dell'arte, a także wyszukane maski często prezentowane na dworze, odegrały rolę w kształtowaniu teatru publicznego. Cuda i tajemnice, wraz z moralnościami i przerywnikami, później przekształciły się w bardziej wyszukane formy dramatu, takie jak na scenach elżbietańskich.

Elżbietańczyk i Jakub

Główny artykuł: Angielski renesansowy teatr

Jedno z wielkich rozkwitów dramatu w Anglii miało miejsce w XVI i XVII wieku. Wiele z tych sztuk zostało napisanych wierszem, szczególnie pięciokrotnie jambic. Oprócz Szekspira, tacy autorzy jak Christopher Marlowe, Thomas Middleton i Ben Jonson byli wybitnymi dramaturgami w tym okresie. Podobnie jak w średniowieczu, sztuki historyczne celebrowały życie dawnych królów, wzmacniając wizerunek monarchii Tudorów. Autorzy tego okresu czerpali niektóre z ich historii z mitologii greckiej i mitologii rzymskiej lub ze sztuk wybitnych rzymskich dramaturgów, takich jak Plautus i Terence.

William Szekspir

Główny artykuł: William Shakespeare

Sztuki Szekspira są uważane przez wielu za szczyt sztuki dramatycznej. Jego wczesne sztuki to przede wszystkim komedie i historie, gatunki, które pod koniec szesnastego wieku osiągnęły szczyt wyrafinowania. W kolejnym etapie pisał głównie tragedie, w tym m.in. Mała wioska, Król Lear, Makbet i Othello. Spektakle są często uważane za szczyt sztuki Szekspira i jedną z największych tragedii, jakie kiedykolwiek napisano. W 1623 r. Dwóch jego byłych współpracowników teatralnych opublikowało First Folio, kolekcję jego dramatycznych dzieł, które obejmowały wszystkie sztuki oprócz dwóch, obecnie uznanych za dzieła Szekspira.

Kanon Szekspira osiągnął wyjątkową pozycję w literaturze zachodniej, stanowiąc humanistyczne pismo. Jego wgląd w ludzki charakter i motywację oraz świetliste, przekraczające granice dykcje wpływały na pisarzy od stuleci. Niektórzy z bardziej znanych autorów i poetów, na których tak duży wpływ wywarli, to Samuel Taylor Coleridge, John Keats, Charles Dickens, Johann Wolfgang von Goethe, Herman Melville i William Faulkner. Według Harolda Blooma Szekspir „został powszechnie uznany za bardziej adekwatnego przedstawiciela wszechświata faktów niż ktokolwiek inny, przedtem lub później”.19

Siedemnastowieczny francuski neoklasycyzm

Podczas gdy purytanie zamykali teatry w Anglii, jedno z największych rozkwitów dramatu miało miejsce we Francji. W latach sześćdziesiątych XVI wieku neoklasycyzm stał się dominującym trendem we francuskim teatrze. Francuski neoklasycyzm reprezentował zaktualizowaną wersję greckiego i rzymskiego teatru klasycznego. Kluczową pracą teoretyczną nad teatrem z tego okresu był François Hedelin, abbé d'Aubignac „Pratique du théâtre„(1657), a dyktaty tego dzieła ujawniają, w jakim stopniu„ francuski klasycyzm ”był gotów zmodyfikować reguły klasycznej tragedii, aby zachować jedność i decorum (na przykład d'Aubignac widział tragedie Edypa i Antygony jako nieodpowiednie dla scena współczesna).

Chociaż Pierre Corneille kontynuował produkcję tragedii do końca życia, dzieła Jeana Racine'a z późnych lat sześćdziesiątych XVI wieku całkowicie przyćmiły późne dramaty starszego dramaturga. Tragedie Racine, zainspirowane greckimi mitami, Eurypidesami, Sofoklesami i Senekami, skondensowały ich fabułę w ciasny zestaw namiętnych i związanych z obowiązkami konfliktów między małą grupą szlachetnych postaci i skoncentrowały się na konfliktach tych postaci i geometrii ich niespełnionych pragnień i nienawiści. Poetycka umiejętność Racine polegała na przedstawianiu patosu i miłosnej pasji (jak miłość Phèdre do pasierba), a jego wpływ był taki, że kryzys emocjonalny będzie dominującym rodzajem tragedii do końca wieku. Dwie późne sztuki Racine („Esther” i „Athalie”) otworzyły nowe drzwi do biblijnej tematyki i wykorzystania teatru w edukacji młodych kobiet.

Tragedia w ciągu ostatnich dwóch dziesięcioleci stulecia i pierwszych lat osiemnastego wieku była zdominowana przez produkcje klasyków z Pierre'a Corneille'a i Racine, ale ogólnie entuzjazm publiczności do tragedii znacznie się zmniejszył: tragedia teatralna bladła obok mrocznej ekonomii i problemy demograficzne pod koniec wieku i „komedia obyczajowa” (patrz poniżej) obejmowały wiele moralnych celów tragedii. Innymi tragediami z późnego wieku są: Claude Boyer, Michel Le Clerc, Jacques Pradon, Jean Galbert de Campistron, Jean de la Chapelle, Antoine d'Aubigny de la Fosse, l'abbé Charles-Claude Geneste, Prosper Jolyot de Crébillon.

Komedia w drugiej połowie wieku była zdominowana przez Moliera. Jako doświadczony aktor, mistrz farsy, slapstick, teatru włoskiego i hiszpańskiego (patrz wyżej) oraz „zwykłego” teatru wzorowanego na Plautus i Terence, twórczość Molière była duża i zróżnicowana. Przypisuje mu się nadawanie nowoczesnej formie francuskiej „komedii obyczajów” („comédie de mœurs”) i „komedii bohaterów („ comédie de caractère ”). Jego zabawne satyry skąpych ojców,„ précieuses ”,„ parvóles ”, lekarze i pompatyczni pisarze odnosili wielkie sukcesy, ale jego komedie na temat religijnej hipokryzji („Tartuffe”) i wolności („Don Juan”) wywołały u niego dużą krytykę, a „Tartuffe” wykonano jedynie dzięki interwencji króla. Wiele komedii Molière, takich jak „Tartuffe”, „Don Juan” i „Le Misanthrope”, może skręcać między farsą i najciemniejszymi dramatami, a zakończenia „Don Juan” i „Misanthrope” wcale nie są komiczne.

Komedia do końca wieku będzie kontynuowana na ścieżkach wytyczonych przez Moliera: dominuje satyra współczesnych obyczajów i obyczajów oraz „zwykła” komedia, a ostatnia wielka „komedia” za panowania Ludwika XIV, Alain-René Lesage „Turcaret” , ”to niezwykle mroczna gra, w której prawie żadna postać nie wykazuje cech odkupieńczych.

Realizm i naturalizm

W dziewiętnastym wieku realizm stał się dominującym nurtem współczesnego dramatu, głównie dzięki dziełom norweskiego dramaturga Henrika Ibsena i rosyjskiego pisarza Antona Czechowa. Realizm po raz pierwszy zyskał popularność w powieści, ale Iwan Turgieniew i inny dramaturg zaczął eksperymentować z nim w swoich dramatach pod koniec XIX wieku. Prace Ibsena pomogły przepisać zasady dramatu i zostały rozwinięte przez Czechowa, pozostając ważną częścią teatru do dziś. Od Ibsena dramat stał się bardziej zainteresowany problemami społecznymi, trudnymi założeniami i bezpośrednim komentowaniem spraw.

Zdjęcie pierwszej produkcji w Sztokholmie naturalistycznej sztuki Augusta Strindberga z 1888 roku Panna Julie w listopadzie 1906 roku w Teatrze Ludowym.20

Naturalizm był ruchem w dramacie europejskim, który rozwinął się na przełomie XIX i XX wieku. Odnosi się do teatru, który próbuje stworzyć idealną iluzję rzeczywistości za pomocą szeregu strategii dramatycznych i teatralnych: szczegółowych, trójwymiarowych scen (które wprowadzają darwinowskie rozumienie decydującej roli środowiska w inscenizację dramatu ludzkiego); codzienne formy mowy (proza ​​poezji); świecki światopogląd (duchy, duchy i bogowie nie interweniują w ludzkie działania); wyłączne skupienie się na przedmiotach współczesnych i autochtonicznych (bez egzotycznych, nieziemskich lub fantastycznych miejsc, ani okresów historycznych czy mitycznych); rozszerzenie zakresu przedstawianych postaci społecznych (z dala od arystokratów klasycznego dramatu, w kierunku burżuazyjnych i ostatecznie bohaterów klasy robotniczej); i styl gry, który próbuje odtworzyć wrażenie rzeczywistości.

Teatr nowoczesny i współczesny

Inspirowany zmianami w świecie literatury i sztuki w XX wieku, w których pojawiło się wiele nowych ruchów artystycznych, takich jak kubizm, surrealizm i futuryzm. Powstało wiele ruchów teatralnych, które odrzuciły dziewiętnastowieczny model realistyczny, zamiast tego wybrali język i elementy dominującej wcześniej konwencji dramatycznej. Należą do nich teatr epicki Brechtian, Teatr okrucieństwa Artauda i tak zwany Teatr Absurdu.

Teatr epicki

Teatr epicki powstał na początku do połowy XX wieku z teorii i praktyki wielu praktyków teatralnych, w tym Erwina Piscatora, Włodzimierza Majakowskiego, Wsiewołoda Meyerholda i, najsłynniejszego, Bertolta Brechta. Teatr epicki odrzuca głównych najemców realizmu i naturalizmu, twierdząc, że celem sztuki, bardziej niż rozrywki lub naśladowania rzeczywistości, jest przedstawianie pomysłów i zachęcanie widzów do dokonywania na ich podstawie ocen. Postacie nie mają naśladować prawdziwych ludzi, ale reprezentować przeciwne strony argumentu, archetypów lub stereotypów. Publiczność powinna zawsze mieć świadomość, że ogląda sztukę, i powinna pozostawać w emocjonalnej odległości od akcji; Brecht opisał ten ideał jako Verfremdungseffekt- różnie tłumaczone jako „efekt wyobcowania”, „efekt zniesławienia” lub „efekt wyobcowania”. Jest to przeciwieństwo zawieszenia niedowierzania:

„Najważniejsze jest, aby jedna z głównych cech zwykłego teatru była wykluczona z teatru epickiego: wywoływanie iluzji”.21

Typowe techniki produkcji w teatrze epickim obejmują uproszczone, nierealistyczne scenografie i ogłoszenia lub podpisy wizualne, które przerywają i podsumowują akcję. Brecht wykorzystywał komedię, aby zdystansować widzów od wydarzeń emocjonalnych lub poważnych, i był pod silnym wpływem musicali i artystów z wesołego miasteczka, umieszczając muzykę i piosenki w swoich sztukach. Aktorstwo w teatrze epickim wymaga od aktorów wiarygodnego grania bohaterów, bez przekonania publiczności lub samych siebie, że to oni są bohaterami.

Teatr epicki był reakcją na inne popularne formy teatru, szczególnie na realistyczny dramat zapoczątkowany przez Konstantyna Stanisławskiego. Podobnie jak Stanisławski, Brecht nie lubił płytkiego spektaklu, manipulacyjnych fabuł i wzmożonej emocji melodramatu; ale tam, gdzie Stanisławski próbował wzbudzić prawdziwe ludzkie zachowanie, działając techniką systemu Stanisławskiego i poprzez aktorów, aby całkowicie wciągnąć publiczność w świat sztuki, Brecht widział metodologię Stanisławskiego jako wywołującą eskapizm publiczności.

Teatr okrucieństwa

Skupienie społeczne i polityczne Brechta odbiegało również od surrealizmu i teatru okrucieństwa, rozwiniętych w pismach i dramaturgii Antonina Artauda, ​​który starał się wpływać na odbiorców pod względem wizualnym, psychologicznym, fizycznym i irracjonalnym. Artaud miał pesymistyczny pogląd na świat, ale wierzył, że teatr może wpływać na zmiany. Jego podejście próbowało usunąć widownię z codzienności i używać symbolicznych przedmiotów do pracy z emocjami i duszą widowni. Celem było zaatakowanie zmysłów publiczności za pomocą szeregu technicznych metod i działania, aby wyprowadzić ich z odczulenia i musieli skonfrontować się, używając groteski, brzydoty i bólu.

Theatre of the Absurd

Theatre of Absurd to oznaczenie poszczególnych sztuk napisane przez wielu przede wszystkim europejskich dramaturgów pod koniec lat 40., 50. i 60. XX wieku, a także styl teatru, który ewoluował z ich twórczości.

Termin został ukuty przez krytyka Martina Esslina w oparciu o filozofię Alberta Camusa, że ​​życie jest z natury pozbawione znaczenia, co ilustruje jego praca Mit Syzyfa. Chociaż termin ten stosuje się do szerokiego zakresu sztuk, niektóre cechy są zbieżne w wielu sztukach: szeroka komedia, często podobna do Vaudeville'a, zmieszana z przerażającymi lub tragicznymi obrazami; postacie złapane w beznadziejnych sytuacjach zmuszone do powtarzalnych lub bezsensownych działań; dialog pełen klisz, gry słów i bzdur; działki, które są cykliczne lub absurdalnie ekspansywne; albo parodia, albo odrzucenie realizmu i koncepcja „dobrze wykonanej gry”. W pierwszym wydaniu (1961) Esslin przedstawił czterech dramaturgów tego ruchu jako Samuela Becketta, Artura Adamowa, Eugene'a Ionesco i Jeana Geneta, aw kolejnych wydaniach dodał piątego dramatopisarza, Harolda Pintera - chociaż każdy z tych pisarzy ma wyjątkowe zainteresowania i techniki, które wykraczają poza termin „absurd”.22Inni pisarze, których Esslin związał z tą grupą, to Tom Stoppard, Friedrich Dürrenmatt, Fernando Arrabal, Edward Albee i Jean Tardieu.

Inne formy kultury

Indianin

Teatr indyjski rozpoczął się od hymnów dialogu rygwedyjskiego w okresie wedyjskim, a dramat sanskrycki powstał jako odrębna forma sztuki w ciągu ostatnich kilku stuleci p.n.e. Najwcześniejszym teoretycznym opisem dramatu indyjskiego jest Bharata Muni Natya Shastra który może być tak stary jak III wiek p.n.e. Dramat był patronowany przez królów, a także zgromadzenia wiejskie. Znani wcześni dramaturgowie to Bhasa i Kalidasa. W średniowieczu subkontynent indyjski był wielokrotnie atakowany. Odgrywało to istotną rolę w kształtowaniu indyjskiej kultury i dziedzictwa. Średniowieczne Indie przeżyły wielką fuzję z najeźdźcami z Bliskiego Wschodu i Azji Środkowej. Brytyjskie Indie, jako kolonia Imperium Brytyjskiego, używały teatru jako jednego ze swoich instrumentów w proteście. Aby się oprzeć, rząd brytyjski musiał narzucić „Ustawę o dramatycznym przedstawieniu” w 1876 r. Od ostatniej połowy XIX wieku teatry w Indiach odnotowały wzrost liczby i praktyki. Opowieści o Ramajanie i Mahabharacie były często wykorzystywane do fabuł w indyjskim dramacie i ta praktyka trwa do dziś.

Chiński

Chiński teatr ma długą i złożoną historię. Dziś jest często nazywany operą chińską, chociaż zwykle odnosi się to w szczególności do popularnej formy znanej jako Opera Pekinska, formy chińskiej opery, która powstała pod koniec XVIII wieku i stała się w pełni rozwinięta i rozpoznana w połowie XIX wieku.23 Ta forma była niezwykle popularna na dworze dynastii Qing i stała się uważana za jeden z skarbów kultury Chin. Główne zespoły wykonawcze mają swoją siedzibę w Pekinie i Tianjin na północy oraz w Szanghaju na południu. Forma sztuki jest również znana na Tajwanie i rozprzestrzeniła się na inne kraje, takie jak Stany Zjednoczone i Japonia.

Opera pekińska obejmuje cztery główne typy wykonawców; grupy wykonujące często mają po kilka z każdej odmiany, a także wielu wykonawców drugorzędnych i trzeciorzędnych. Dzięki wyszukanym i kolorowym kostiumom wykonawcy są jedynymi centrami na charakterystycznie rzadkiej scenie opery pekińskiej. Wykorzystują umiejętności mówienia, śpiewania, tańca i walki w ruchach, które są symboliczne i sugestywne, a nie realistyczne. Umiejętności wykonawców ocenia się zgodnie z pięknem ich ruchów. Wykonawcy przestrzegają również różnych konwencji stylistycznych, które pomagają widzom poruszać się po fabule produkcji.24Warstwy znaczeń w każdym ruchu muszą być wyrażone w czasie do muzyki. Muzykę opery w Pekinie można podzielić na Xipi i Erhuang style. Melodie obejmują arie, melodie o ustalonym stroju i wzory perkusyjne. Repertuar opery w Pekinie obejmuje ponad 1400 dzieł opartych na chińskiej historii, folklorze i coraz bardziej współczesnym życiu.25

Język japoński

Japoński dramat Nō to poważna forma dramatyczna, która łączy dramat, muzykę i taniec w kompletne wrażenia estetyczne. Rozwinął się w XIV i XV wieku i ma własne instrumenty muzyczne oraz techniki wykonawcze, które często były przekazywane z ojca na syna. Wykonawcami byli głównie mężczyźni (zarówno w rolach męskich, jak i żeńskich), chociaż amatorki wykonują także dramaty Nō. Dramat Nō był wspierany przez rząd, a zwłaszcza wojsko, przy czym wielu dowódców wojskowych miało własne grupy i czasami występowało. Do dziś jest wykonywany w Japonii.

Dramaty noh są wysoce choreograficzne i stylizowane i obejmują poezję, intonowanie oraz powolne, eleganckie tańce w towarzystwie fletu i muzyki perkusyjnej. Scena jest prawie pusta, a aktorzy używają rekwizytów i noszą wymyślne kostiumy. Główny bohater czasami nosi maskę Noh. Sztuki Noh zostały zaczerpnięte z literatury i historii okresu Heian i mają na celu zilustrowanie zasad buddyzmu.

Kyōgen to komiczny odpowiednik dramatu Noh. Koncentruje się bardziej na dialogu, a mniej na muzyce, chociaż instrumentaliści Nō czasami pojawiają się również w Kyōgen. Rozwijał się wraz z noh, był wykonywany wraz z noh jako rodzaj przerw między aktami noh i zachowuje bliskie powiązania z noh we współczesnych czasach; dlatego czasami jest wyznaczony noh-kyōgen. Jednak jego treść wcale nie przypomina teatru formalnego, symbolicznego i uroczystego noh; Kyōgen to komiczna forma, a jej głównym celem jest rozśmieszyć publiczność.

Formy dramatu

Opera

Opera zachodnia to dramatyczna forma sztuki, która powstała w okresie renesansu, próbując ożywić klasyczną grecką tradycję dramatyczną, w której połączono zarówno muzykę, jak i teatr. Będąc silnie spleciona z zachodnią muzyką klasyczną, opera przeszła ogromne zmiany w ciągu ostatnich czterech wieków i do dziś jest ważną formą teatru. Na uwagę zasługuje ogromny wpływ niemieckiego XIX-wiecznego kompozytora Richarda Wagnera na tradycję operową. Jego zdaniem nie było właściwej równowagi między muzyką a teatrem w operach jego czasów, ponieważ muzyka wydawała się ważniejsza niż dramatyczne aspekty tych dzieł. Aby przywrócić połączenie z tradycyjnym dramatem greckim, całkowicie odnowił format operowy i podkreślając równie ważne znaczenie muzyki i dramatu w tych nowych dziełach, nazwał je „dramatami muzycznymi”.

W nieco dłuższym okresie opera chińska rozwija się bardziej konserwatywnie.

Pantomima

Historie te są kontynuowane w tradycji bajek i opowieści ludowych, zwykle wyciąga się lekcję, a dzięki pomocy publiczności bohater / bohaterka ratuje dzień. Ten rodzaj gry wykorzystuje postacie występujące w masque i ponownie Commedia del arte, bohaterami tymi są złoczyńca (doctore), klaun / sługa (Arlechino / Harlequin / guziki), kochankowie itp. Te sztuki zwykle kładą nacisk na dylematy moralne, a dobro zawsze triumfuje nad złem, ten rodzaj gry jest również bardzo zabawne, dzięki czemu jest to bardzo skuteczny sposób na dotarcie do wielu osób.

Film i telewizja

Główny artykuł: Przemysł filmowy (Stany Zjednoczone)
Główny artykuł: Telewizja

W XX wieku wraz z powstaniem kamery filmowej powstał potencjał do produkcji filmowych. Od samego początku film wykorzystywał swój potencjał filmowy do rejestrowania akcji na żywo, takich jak pociąg jadący po torach bezpośrednio na widownię. Skandynawskie filmy były w dużej mierze kręcone na zewnątrz w letnim świetle, w naturalnym otoczeniu. Wkrótce film pokazał, że może produkować sztuki także w naturalnych warunkach. Stworzyły także nowe formy dramatu, takie jak film Hitchcocka z napięciami, a wraz z rozwojem technologii film akcji. Stało się również medium science fiction. Telewizja stała się nie tylko medium do wyświetlania filmów, ale także stworzyła nowe formy dramatu, zwłaszcza „dramat policyjny”, w którym przestępstwa są popełniane i rozwiązywane w ciągu godziny, oraz „dramat medyczny”, w którym dramaty o życiu i śmierci odtwarzany w powtarzającym się cotygodniowym odcinku. Od lat osiemdziesiątych oba dramaty eksperymentowały z obsadami zespołów, w których występował nie tylko klasyczny bohater, ale także wielu różnych „głównych” aktorów i łączących wiele różnych fabuł jednocześnie.

Dziedzictwo

Dramat to specyficzny rodzaj fikcji reprezentowany w spektaklu.26 Na strukturę dramatycznych tekstów, w przeciwieństwie do innych form literatury, wpływa bezpośrednio ta wspólna produkcja i zbiorowy odbiór.27

Dramat często łączy się z muzyką i tańcem: dramat w operze jest śpiewany przez cały czas; musicale obejmują mówiony dialog i piosenki; a niektóre formy dramatu mają regularny akompaniament muzyczny (na przykład melodramat i japońskie Nō).28 W niektórych okresach historii (starożytny rzymski i współczesny romantyk) dramaty pisano raczej po to, by je czytać niż wykonywać.29 W improwizacji dramat nie poprzedza momentu wykonania; wykonawcy tworzą spontanicznie dramatyczny scenariusz przed publicznością.30

Zobacz też

  • Historia teatru
  • Dramat Stosowany
  • Dramat Augusta
  • Dramat chrześcijański
  • Dramat w szafie
  • Dramat kostiumowy
  • Dramat domowy
  • Dramatyczna struktura
  • Teoria dramatyczna
  • Dramat błyskawiczny
  • Gra ludowa
  • Bohaterski dramat
  • Dramat prawny
  • Melodramat
  • Monodram
  • Tajemnicza gra
  • Jeden akt
  • Grać
  • Gwiazda filmowa
  • Dramat polityczny
  • Dramat radiowy
  • Nagrody teatralne
  • Dwuręczny
  • Dramat dramatyczny i wiersz dramatyczny
  • Dobrze wykonana gra

Notatki

  1. ↑ Oscar G. Brockett i Franklin J. Hildy. Historia teatru, Dziewiąte wydanie, edycja międzynarodowa. (Boston: Allyn and Bacon, 2003), 13-15.
  2. ↑ Martin Banham, (red.) The Cambridge Guide to Theatre. (Cambridge: Cambridge University Press, 1998), 441–444). Aby uzyskać więcej informacji na temat tych starożytnych greckich dramaturgów, zobacz artykuły skategoryzowane w „Starożytnych greckich dramaturgów i dramaturgów” w Wikipedii.
  3. ↑ Teoria, że Związany z Prometeuszem nie został napisany przez Ajschylosa, przyniósłby tę liczbę sześciu dramaturgom, których twórczość przetrwała.
  4. ↑ Banham, 8; Brockett i Hildy, 15-16
  5. ↑ Brockett i Hildy, 13, 15; Banham, 442.
  6. ↑ Brockett i Hildy, 18; Banham, 444–445.
  7. ↑ Banham, 444-445.
  8. ↑ Brockett i Hildy, 43.
  9. ↑ Brockett i Hildy, 36, 47.
  10. ↑ Brockett i Hildy, 43.
  11. ↑ Brockett i Hildy, 46-47.
  12. 12.0 12.1 12.2 Brockett and Hildy, 47.
  13. ↑ Brockett i Hildy, 47-48.
  14. ↑ Brockett i Hildy, 48-49.
  15. 15.0 15.1 15.2 Brockett i Hildy, 49.
  16. 16.0 16.1 Brockett i Hildy, 48.
  17. 17.0 17.1 Brockett i Hildy, 50.
  18. ↑ Brockett i Hildy, 49-50.
  19. ↑ Harold Bloom. Szekspir: Wynalazek człowieka. (New York: Riverhead, 1998)

    Obejrzyj wideo: Chada ft. Pih - Dramat (Październik 2020).

    Pin
    Send
    Share
    Send